El siglo XVII en miniatura: obras maestras en sellos (1)

Aunque los sellos postales parezcan pequeños y comunes, a veces encierran una historia artística sorprendentemente rica. Esta primera parte se centra en cinco pinturas holandesas del siglo XVII representadas en sellos postales. Se trata de obras con temas bíblicos, mitológicos y alegóricos, en las que los contemporáneos reconocieron con facilidad significados ocultos a través de símbolos, atributos y objetos cotidianos. Las pinturas de este período fueron más que una simple representación de la realidad: sirvieron como portadoras de mensajes morales, advertencias contra la vanidad y la fugacidad, y reflexiones sobre el comportamiento humano. En esta primera parte, las obras se clasifican y analizan según sus temas y lenguaje visual. La segunda parte se publicará a finales de esta semana, donde se destacarán las cinco pinturas restantes y su significado. Las primeras 5 pinturas del siglo XVII en sellos postales (1) Las pinturas representadas poseen una historia de fondo basada en temas bíblicos, mitología y alegoría. El uso y la aplicación de la mitología griega provienen de un sentido de individualidad humano altamente desarrollado. A través de una actividad, un objeto, un símbolo o un atributo, una persona del siglo XVII sabía de inmediato qué virtud, entendimiento (o codicia), pobreza (virtud/vicio) y mentira encarnaba. El lenguaje visual y su significado en el siglo XVII. Debemos tener en cuenta que las representaciones de una persona con un objeto transmiten más de lo que comprendemos actualmente. El espectador culto del siglo XVII podía captar de inmediato los mensajes adicionales u ocultos en pinturas de temática religiosa, mitológica o alegórica. Estos mensajes ocultos pueden estar relacionados con interpretaciones moralizantes generales, como advertencias contra la vanidad y la fugacidad. Las pinturas mostradas se pueden dividir en cuatro grupos: 1) pinturas narrativas; 2) pinturas que representan la personalidad; 3) pinturas de paisajes y vistas urbanas; 4) pinturas con detalles de la realidad y la naturaleza. 1) Carel Fabritius (1622 – 1654), 'El jilguero' (33,6 x 22,5 cm), detalles de la realidad y la naturaleza. El panel que representa al jilguero (posado en una barra semicircular del comedero) probablemente servía como puerta de un pequeño armario de pared. El realismo crea la ilusión de que la jaula que contiene al pájaro cuelga contra la pared del armario. * El realismo (trampantojo) es admirablemente alto. La pintura que se ve exactamente como la realidad (ilusión/engaño óptico) era considerada la cúspide del arte en la antigua Grecia. * Fabritius (el alumno más talentoso de Rembrandt) coloca objetos oscuros sobre un fondo claro bañado en luz. Como resultado, el pájaro con el comedero parece estar *delante* de la pared. 2) Rembrandt Harmensz van Rijn (1606 – 1669), 'Autorretrato' (14,3 x 94 cm), representación de una persona con valor añadido. Aquí, Rembrandt, de 63 años, se representa a sí mismo sosteniendo una paleta, un palo y pinceles en su mano izquierda (apenas indicados), como un anciano marcado por la vida. * A menudo se elegía a sí mismo como sujeto de estudio (en el que experimentaba), rara vez como pintor. En los más de 90 autorretratos, se capturó a sí mismo con las "tormentas de su vida", que incluían sufrimiento, irritación, falta de reconocimiento, pobreza, preocupaciones económicas y soledad. Las experiencias de la vida dejaron profundas huellas en su rostro. En sus últimos autorretratos, se retrata como una persona mayor con una apariencia digna y sabia, con el cabello ralo y la piel arrugada. * Con su visión de sí mismo, muestra una creciente profundidad en sus representaciones psicológicas. Se vuelve más sutil y libre, mientras que su técnica pictórica se torna cada vez más audaz y profundamente expresionista. Al hacerlo, nos informa no solo sobre su propia vida, sino también sobre la del ser humano universal. 3) Judith Leister (1609 – 1660), 'Autorretrato' (72,3 x 65,3 cm), representación de una persona. Judith Leyster se sienta como una rica dama burguesa con un rostro sonriente (pintado con los matices y el refinamiento necesarios) en una silla frente a un caballete que exhibe el cuadro de un alegre violinista, esbozado con pinceladas amplias. * En su mano sostiene una paleta y un juego de pinceles, demostrando su destreza. Utiliza diferentes pinceles para pintar con trazos gruesos y finos. El cuello y los puños de lino fino y encaje están pintados con un realismo exquisito. El rosa y el púrpura brillan a través del blanco. La falda tiene gruesos pliegues, aplicados con blanco y rosa claro sobre la pintura roja húmeda. * Una característica llamativa de Leyster es la representación de figuras divertidas y risueñas. La boca entreabierta, a punto de reír, anima este cautivador retrato. * Durante años, este retrato seguro de sí mismo fue atribuido a Frans Hals debido a rasgos estilísticos, pero posteriormente se le atribuyó a Leyster. Las mujeres pintoras eran una rara excepción en el siglo XVII. 4) Hendrick Terbrugghen (1588 – 1629), 'San Sebastián cuidado por Irene' (150 x 121 cm), pintura narrativa. Como visitante frecuente de Roma, Hendrick Terbrugghen aprendió y adoptó el estilo pictórico del pintor italiano Caravaggio. Aplicó con énfasis el juego de luces y sombras (claroscuro) propio del italiano. * Terbrugghen representa un momento dramático de temática religiosa. Santa Irene y su ayudante extraen con cautela dos flechas del cuerpo rígido y desplomado del mártir Sebastián, víctima de la persecución de los cristianos bajo el emperador Diocleciano. * El pintor ha desarrollado la escena en una composición diagonal. En esta disposición, las tres cabezas y brazos se encuentran muy juntos. Sitúa al mártir como una gran figura de medio cuerpo, que domina el primer plano del cuadro. Las figuras, deliberadamente giradas de forma dramática —algunas partes de las cuales están fuertemente iluminadas por una fuente de luz, mientras que otras están subexpuestas (caen en la sombra)— se alzan contra un fondo brillantemente iluminado. 5) Jan Steen (1626 -1679), 'In Weelde siet toe' (105 x 145 cm), pintura narrativa. En este cuadro, también titulado «El hogar corrupto», se representa un caos organizado: un hogar típico de Jan Steen. Él incorpora en él valiosas lecciones de vida. * La madre, la principal culpable de todo, duerme a la izquierda del centro, descuidando así el hogar. Todo se descontrola; las cosas van de mal en peor. Su hija mayor, vestida de satén, se sienta en el centro del cuadro junto a un joven desvergonzado. Ella le ofrece una copa de vino al «amante». Mientras conversa con una mujer a su derecha, detrás de él, intenta estafarle dinero para pagarle a la hija más tarde. * Las edificantes palabras del hombre jorobado con un «cuáquero» (pato) en el hombro (es miembro de los cuáqueros protestantes y lee la Biblia) son inútiles para la pareja disoluta. * Los niños se lo están pasando en grande. Un niño pequeño en la trona de la izquierda juega con joyas y una cuchara. Un valioso documento ha caído al suelo. * Un hijo pequeño detrás de la madre dormida fuma una pipa (como cantaban los viejos, los jóvenes trinan), mientras que una hermana detrás de él roba dinero de un armario de pared (la oportunidad hace al ladrón). * Todo tipo de animales llevan algo en sus caparazones: [1] un mono (símbolo de la lujuria) ha detenido el reloj, indicando que el tiempo se olvida en la necedad. [2] Un cerdo se escapa con el grifo del barril de vino que se vacía en la parte inferior izquierda. El nombre de Steen y el año 1663, año en que se creó la pintura, están en el barril. * En la pizarra a la derecha de las escaleras está el mensaje de esta pintura 'In weelde siet toe', cuidado con la riqueza. Que la riqueza lleva a la ruina es evidente en toda la pintura. Las personas en esta representación alegórica, a través de sus actividades en combinación con objetos cotidianos, representan algún concepto como la virtud, el vicio o la falsedad. La intemperancia y el derroche conducen inevitablemente a la pobreza. * Esta pintura sirve como advertencia contra una vida disoluta. El bolso vacío (que cuelga significativamente sobre la cabeza de la madre) es el símbolo clave de todo aquello de lo que la madre debe cuidarse. * Colgando del techo en una cesta se encuentran los artículos de primera necesidad para el futuro (parafernalia para mendigar): una vara, un badajo de leproso, leña, un taburete de mendigo y partituras para vender de puerta en puerta. El castigo, la enfermedad y la pobreza aguardan a esta familia disoluta.