¡LIBERTAD! Ary Scheffer en el Romanticismo francés
¡LIBERTAD! Ary Scheffer y el Romanticismo Francés se puede visitar en el Museo de Dordrecht hasta el 23 de marzo de 2025. Esta exposición nos transporta al París convulso de la primera mitad del siglo XIX, una época marcada por la agitación política y el florecimiento cultural. Artistas como Eugène Delacroix, Théodore Géricault y Dominique Ingres utilizaron sus pinceles como armas o se alzaron en barricadas. También lo hizo Ary Scheffer (1795-1858), originario de Dordrecht, quien pronto se convirtió en uno de los pintores más famosos de la capital francesa. ¡No se la pierdan!, porque no volverán a ver estas obras en este contexto.
¡LIBERTAD! Ary Scheffer en el Romanticismo francés
¡LIBERTAD! Ary Scheffer y el Romanticismo Francés se puede visitar actualmente en el Museo de Dordrecht hasta el 23 de marzo de 2025. Esta exposición te transporta al turbulento París de la primera mitad del siglo XIX, una época llena de agitación política y florecimiento cultural. Artistas como Eugène Delacroix, Théodore Géricault en Dominique Ingres Convirtieron sus pinceles en armas o escalaron las barricadas. Lo mismo hicieron los de Dordrecht. Scheffer (1795-1858), quien pronto se convirtió en uno de los pintores más famosos de la capital francesa.
Con Delacroix y Géricault a su lado, Scheffer luchó por la libertad y la igualdad, los ideales de la Revolución Francesa de 1789. Era la era del colectivo frente al individuo, de la libertad y la expresión individual. Esta ideología romántica perdura hasta nuestros días en muchos aspectos. Temas que vuelven a ser relevantes hoy, como el poder del ciudadano, la fuerza del activismo y el anhelo de autonomía nacional, resonaron por primera vez en pinturas de gran formato durante el Romanticismo francés. Además, la literatura, la música, la religión y la naturaleza fueron también importantes fuentes de inspiración para los románticos. Esto se traduce en pinturas que presentan bellas representaciones de relatos literarios, paisajes y notables obras religiosas.
Además de una impresionante colección de pinturas de Scheffer (el Museo de Dordrecht posee la mayor cantidad a nivel mundial), famosas obras de arte del Palacio de Versalles y del Louvre también se exhiben por primera vez en los Países Bajos durante LIBERTÉ! El boceto al óleo de Géricault de la mundialmente famosa Balsa de la Medusa y el Episodio de la Guerra de Independencia griega de Delacroix también se pueden admirar por primera vez en nuestro país durante la exposición.
Eugène Delacroix
Ferdinand Victor Eugène Delacroix (1798-1863) es considerado el pintor francés más importante del Romanticismo. Otros representantes destacados del Romanticismo francés fueron su contemporáneo y amigo íntimo Charles-Émile-Callande de Champmartin y el joven Théodore Géricault, quien falleció prematuramente. También se le conoce como un «pintor literario» (por Baudelaire, entre otros), ya que a menudo se inspiraba en autores como Shakespeare (Hamlet y Horacio en el cementerio) y Dante (La barca de Dante).
La Libertad guiando al pueblo (en francés: La Liberté guidant le peuple) es una pintura del pintor francés Eugène Delacroix. Representa la libertad como Marianne, símbolo nacional de Francia, liderando a los revolucionarios durante la Revolución de Julio de 1830. Está pintado al óleo. El lienzo mide 260 por 325 centímetros.
Del hombre a su izquierda, que mira con incertidumbre a la distancia, a veces se dice que podría ser un autorretrato de Delacroix, aunque no es seguro. Los rasgos más llamativos de esta pintura son la composición clásica con un triángulo central y el tema contemporáneo, mientras que muchos románticos solían mirar al pasado. Esta obra demuestra que las tres clases sociales (clero, nobleza y burguesía) estaban a favor de la revolución, ya que los tres estamentos están presentes junto a la mujer. Por lo tanto, todos los estamentos se resisten al orden establecido. La bandera que sostiene la mujer tampoco es una bandera francesa cualquiera. Era la nueva bandera con tres colores que representaban la libertad, la igualdad y la fraternidad. El símbolo anterior de Francia era el lirio francés.
La banda británica Coldplay utilizó el cuadro como portada del CD de su álbum Viva la Vida o La muerte y todos sus amigos (2008).
Theodore Gericault
Théodore Géricault (1791-1824) fue un pintor francés del Romanticismo del siglo XIX. Recibió clases de pintura de Carle Vernet y Pierre-Narcisse Guérin. Sus primeras obras revelan la influencia de Peter Paul Rubens y un interés por la representación de las emociones. Durante su viaje a Florencia y Roma en 1816-17, quedó fascinado tanto por Miguel Ángel como por el Barroco.
Su obra más famosa es La balsa de la Medusa (La balsa de la Medusa, 1819). La Medusa era un barco que se hundió frente a las costas de Mauritania en 1816, mientras se dirigía a Gorée. 147 náufragos sobrevivieron a la deriva durante trece días antes de ser encontrados. La pintura representa la balsa y a los supervivientes (y su estado) en el momento de su descubrimiento. En el Salón de París, la obra fue recibida con escándalo. Géricault estudió cadáveres y enfermos, entrevistó a los supervivientes e hizo reconstruir la balsa para pintarla con el mayor realismo posible, aunque con un toque de teatralidad romántica.
En la pintura, encontramos dos triángulos: uno con la vela y, en el otro, el hombre que saluda con esperanza a la derecha. Además, hay dos elementos contrastantes: el hombre fallecido (enfermo) a la izquierda y el hombre esperanzado y animado que agita un paño a la derecha. Los colores oscuros yuxtapuestos con los claros también transmiten una atmósfera de inquietud. La pintura simboliza al pueblo alcanzando su propia salvación, en contraposición al régimen pasivo y reaccionario posterior a la Revolución Francesa. Podría interpretarse como el artista a la deriva en el mar infinito de sus emociones, lo cual encaja con la atmósfera de los artistas románticos. La obra representa un paso del Neoclasicismo al Romanticismo. En parte debido a la carga temática, la pintura tuvo menos éxito en Francia que en Inglaterra, donde alcanzó renombre alrededor de 1820.
A su regreso a Francia, esto lo inspiró a pintar retratos de enfermos mentales, cada uno con su propio trastorno. Un ejemplo conocido es el Retrato de un cleptómano, que se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Gante. En 1824, tras un largo período de sufrimiento, debilitado por accidentes y tuberculosis crónica, Géricault falleció a los 32 años.
Dominique Ingres
Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) fue un pintor francés. Ingres fue admitido en la prestigiosa Orden Pour le Mérite. Recibió sus primeras lecciones de pintura de su padre, Joseph Ingres, quien era escultor. En 1791, ingresó en la Academia de Toulouse y en 1797 se convirtió en alumno de Jacques-Louis David en París. En 1799, fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1801, ganó el Premio de Roma con la obra neoclásica *Aquiles recibiendo a los emisarios de Agamenón*. Sin embargo, no obtuvo el premio en metálico, e Ingres no pudo viajar a Italia hasta 1806.
Mientras tanto, comenzó a dibujar y pintar retratos con un estilo que difería significativamente del de su maestro, David. En sus retratos, Ingres buscaba una postura digna y una representación realista de la vestimenta. Se centró especialmente en la belleza femenina. En París, su obra recibió duras críticas. El estilo pictórico, nítido y preciso, en el que las pinceladas eran invisibles y la pintura mostraba una técnica plana, fue tildado de «gótico». Sin embargo, Ingres defendió la dignidad del Neoclasicismo en Francia durante la primera mitad del siglo XIX. No obstante, desarrolló un estilo completamente propio, impregnado de fantasías románticas.
Las poses y los escenarios varían de un lienzo a otro. Todas las obras desprenden la misma sensualidad voluptuosa y erótica, expresada mediante líneas sumamente refinadas y, a menudo, con colores brillantes e intensos. Las mujeres retratadas suelen lucir cadenas de oro que acentúan sus exuberantes y voluptuosos hombros y brazos. En comparación con retratistas posteriores, resulta sorprendente la escasa distancia que existe en la obra de Ingres entre la modelo y el artista.
Ingres eligió un estilo de línea que, gracias a su absoluta fidelidad a la naturaleza, indicaba claramente la forma del objeto. Se creía que los griegos habían hecho lo mismo, y se dice que los grabados de Pompeya y Herculano reforzaron esta idea. Pero el estilo de Ingres trascendió el dibujo neoclásico convencional al transmitir también la percepción sensorial de una forma sumamente refinada.
Logró esto último, entre otras cosas, mediante el color, aunque para él el color siempre permaneció subordinado al trazo. Estudió meticulosamente la obra del pintor renacentista Rafael desde 1806, cuando residió largamente en Italia. Allí también pintó el tema que abordaría con frecuencia: bañistas vistas de espaldas. Son particularmente conocidas La Gran Odalisca (1814) y una de sus últimas obras: El Baño Turco (1862).
Scheffer
Scheffer nació hijo de Johan Bernard Scheffer (1773-1809), oriundo de Homburg, quien también era pintor profesional. Su madre, Cornelia Lamme (1769-1839), era pintora de miniaturas y provenía de una familia de artistas. En 1797, la familia se trasladó a La Haya. Posteriormente, se mudaron a Ámsterdam, donde su padre, Scheffer, sirvió como pintor de la corte del rey Luis Napoleón durante un año. Tras la muerte de este último, la familia se trasladó a Bruselas. Dos años después (en 1811), la madre de Scheffer se mudó a París.
En París, Ary Scheffer vivió en el número 16 de la Rue Chaptal, donde ahora se encuentra el Musée de la Vie romantique. En el museo, toda la primera planta está dedicada a su vida y obra (la planta baja a George Sand).
